CQFD, mensuel de critique et d'expérimentation sociales

Mirage gay en Israël

Martin Barzilai — 2019-01-14T12:32:48Z

Publié aux éditions Libertalia, le livre Mirage gay à Tel Aviv, de Jean Stern, est une enquête inédite qui décortique la stratégie marketing de l'État israélien draguant la communauté gay occidentale. Rencontre avec l'auteur, cofondateur du Gai Pied, puis journaliste à Libération et actuel rédacteur en chef de La Chronique d'Amnesty International.

Jean Stern (photo de Martin Barzilai).

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CQFD : Mirage gay à Tel Aviv1est une enquête sur ce que l'on appelle le pinkwashing. Est-ce que tu peux nous expliquer de quoi il s'agit ?

Jean Stern : Je vais prendre un exemple simple avec le greenwashing qui consiste pour les entreprises à repeindre en vert leurs actions, à mettre par exemple des plantes vertes dans les sièges sociaux. Le pinkwashing apparaît en 2008 avec l'idée d'attirer la communauté gay occidentale à Tel Aviv pour tenter d'« adoucir » l'image d'Israël et de développer un nouveau tourisme. À partir de 2009-2010, une vraie stratégie marketing est pensée, élaborée, construite par la mairie de Tel Aviv, les hôteliers et le ministère du Tourisme pour tenter de changer l'image d'Israël. Il faut rappeler qu'Israël était en dehors des grands circuits touristiques mondiaux jusqu'à la fin des années 2000. Et le gouvernement israélien s'est dit : il va falloir mettre en avant nos atouts. Tel Aviv, balnéaire, dotée de nouveaux lieux de sociabilité et dont l'image était en train de changer, offrait un vrai potentiel. Ils ont trouvé le slogan : « Tel Aviv, la ville qui ne dort jamais ». Un slogan festif adapté aux hétéros, mais qui marche aussi bien pour les gays. Israël a alors ciblé les médias gays, invité des dizaines de journalistes LGBT à Tel Aviv, fait des opérations de promo dans les clubs gay, etc. Mais le pinkwashing a aussi et surtout permis un discours idéologique, avec cette idée sous-jacente : il y a des droits pour les gays en Israël, et ils n'en ont pas dans le monde arabe.

Dans ton livre, on entre dans le détail puisqu'on découvre qu'une boîte de com' basée aux Pays-Bas a été embauchée pour faire ce travail de marketing...

Oui, il s'agit d'Outnow, une entreprise habituée à travailler avec des marques comme Orange, IBM, mais aussi avec des villes comme Berlin, Vienne ou Copenhague. À partir de 2008, le gouvernement israélien a mis en place la structure « Brand Israël » directement reliée au cabinet de la ministre des Affaires étrangères de l'époque, Tzipi Livni. Cette ancienne agente du Mossad, le service secret israélien, n'ignorait rien de l'image désastreuse de son pays. L'équipe de Livni a utilisé toutes les ressources du marketing pour l'améliorer. Des dizaines de millions de dollars ont été dépensés sur plusieurs années. Entre autres choses, le congrès de l'association mondiale du tourisme LGBT a été accueilli là-bas. Dès 2009-2010, un flux touristique s'est instauré. Aujourd'hui, des dizaines de milliers de touristes gays occidentaux se rendent chaque année à la semaine de la Fierté gay, début juin. Un tourisme très rentable puisqu'il contribue à faire tourner les nombreux bars, clubs et hôtels de Tel Aviv. Même si Israël a investi beaucoup d'argent, le retour sur investissement est flatteur puisque cela a non seulement amené des gens à Tel Aviv, mais a surtout contribué à changer l'image du pays chez les gays avec cette idée assez simplette, mais qui hélas marche : « Un pays aussi sympa avec nous ne peut pas être aussi horrible qu'on le dit avec les Palestiniens. »

Par ailleurs, on comprend dans ton livre qu'à travers ce plan marketing, Israël utilise le désir des gays occidentaux pour l'homme oriental...

Israël a récupéré ce que l'on a appelé l'orientalisme sexuel dont on trouve les traces chez des écrivains du XIXe siècle comme Flaubert ou Gérard de Nerval. Dans son livre L'Orientalisme, Edward Saïd explique comment l'image du monde arabo-musulman était très liée au désir sexuel des hommes occidentaux pour « l'homme arabe ». Cet orientalisme sexuel a connu son âge d'or dans les années 1950-60 avec pas mal d'écrivains emblématiques qui s'installaient au Maroc, en Tunisie, mais aussi s'engageaient au côté des Palestiniens. Jusque dans les années 1970, nombre de gays occidentaux sont allés ainsi au Maroc, en Égypte ou en Tunisie, rencontrer des hommes arabes. Et de fait, ça marchait assez bien parce qu'on était dans une sorte de « pas vu pas pris » réciproque. Mais le durcissement des pays arabo-musulmans, comme le Maroc et l'Égypte, à l'égard des homosexuels, a rendu de plus en plus compliqué ce tourisme sexuel. Et puis le contexte post 11-Septembre 2001 a fait qu'une partie des homosexuels sont devenus hostiles à l'islam, et aux Arabes en général. Cela a été la naissance de l'homonationalisme, et il faut aujourd'hui déplorer qu'une partie des homosexuels occidentaux soutiennent la droite et l'extrême droite dans la croisade mondiale contre l'islam. Israël leur propose un genre de placebo d'Orient qui leur convient assez bien, et je raconte comment de ludique le séjour à Tel Aviv devient de plus en plus politique.

« Le pinkwashing est un paravent de la société israélienne, homophobe, inégalitaire et de plus en plus raciste. »

Dans ce contexte particulier, comment vivent les homosexuels en Palestine ?

Dans une société plutôt conservatrice et homophobe, les homosexuels sont harcelés, parfois arrêtés et torturés par la police palestinienne. Une situation qu'exploite Israël grâce à une unité de surveillance électronique (l'unité 8200). Il y a trois ans, 43 réservistes de cette unité ont publié un texte où ils dénoncent le travail qu'on leur demande. C'est-à-dire non pas la prévention du terrorisme, mais la détection des homosexuels et des lesbiennes, des hommes adultères, des alcooliques, etc., afin de les soumettre à un chantage. Ceux qui acceptent de s'y soumettre deviennent des collabos et risquent la mort s'ils sont découverts. S'ils refusent, Israël peut les dénoncer à la police palestinienne, et c'est également un péril mortel pour eux. Derrière le sirupeux discours gay-friendly d'Israël que mon livre essaye de décrypter, il y a une réalité bien plus sombre. Mais en Israël, en dehors de Tel Aviv, la société reste majoritairement homophobe. Les jeunes LGBT sont harcelés, violentés. Au-delà de son objectif de faire oublier l'occupation de la Palestine, le pinkwashing est aussi un paravent qui cache la réalité peu reluisante de la société israélienne, homophobe, inégalitaire, de plus en plus raciste.

Il y a aussi un chapitre sur l'utilisation de mères porteuses en Thaïlande, en Inde et ailleurs par les couples gays israéliens qui laisse sans voix…

En commençant cette enquête il y a trois ans, j'étais surpris de croiser dans les rues de Tel Aviv des couples de garçons poussant des landaus avec des bébés. Je me suis aperçu qu'il y avait un baby-boom gay en Israël d'une ampleur considérable, unique au monde. On parle de plus de 10 000 naissances dans les couples de lesbiennes et de 5 000 dans les couples homosexuels à Tel Aviv depuis 2010. Pour les lesbiennes, c'est relativement simple puisqu'Israël est un des pays pionniers de la fécondation in vitro. Pour les gays c'est plus compliqué. Au début, ils ont eu recours à la coparentalité, avec des amies souvent lesbiennes. Et on se partage le temps de garde, une semaine chez l'un, une semaine chez l'autre. Mais petit à petit, ils ont préféré la gestation pour autrui (GPA), baptisée en Israël « maternité de substitution ». La GPA est devenue un vrai marché avec ses cours : c'est plus cher de louer une mère porteuse juive aux États-Unis qu'une femme non juive au Népal ou en Thaïlande. Pour donner une échelle des prix, cela va de 45 000 à plus de 150 000 dollars. Dans ce nouveau marché de l'enfant, fait d'hypercapitalisme mêlé de nationalisme – il faut des fils pour peupler Israël – il y a quelque chose qui provoque le malaise. Il y a aussi une sérieuse bagarre avec les religieux, dont le poids politique est important en Israël, sur la question de la judaïté de ces enfants. Pour la loi juive, on est juif par la mère. À l'exception de certaines mères porteuses aux États-Unis, la plupart ne sont pas juives. Ces questions éthiques sont en fait très politiques.

La Une du n°154 de CQFD, illustrée par Cécile K.

Où est donc l'espoir ? Peut-être du côté du Black Laundry qui a marqué l'histoire de la défense des droits LGBT en Palestine et Israël dans les années 2000 ?

Il y a eu effectivement au début des années 2000 un mouvement LGBT très novateur, Black Laundry, qu'on peut traduire par « lessiveuse noire » et qui prônait l'exact inverse du pinkwashing. Il y avait là aussi bien des filles, des garçons ou des trans palestiniens et israéliens. Ce mouvement mixte dans tous les sens du terme a su mener une lutte à la fois contre le pinkwashing alors naissant, mais aussi et surtout contre l'occupation, qui est la question centrale en Israël. Ce mouvement a fini par se déliter et beaucoup de ses militants ont d'ailleurs quitté le pays pour Berlin. Mais après plus de dix ans d'atonie, et pendant que les homos réacs jouissent de leur bonne fortune dans leurs luxueux penthouses de Tel Aviv, on assiste depuis quelque temps à une petite renaissance de l'expression de la radicalité LGBT, notamment avec des groupes palestiniens qui tentent de se réapproprier la culture queer arabo-musulmane et de se développer à l'intérieur même des Territoires occupés. C'est difficile, car il leur faut combattre sur tous les fronts, dénoncer ce pinkwashing qui les présente comme des victimes de l'homophobie de leur société, alors qu'Israël contribue largement à leur oppression. Il ne faut pas se leurrer, le combat est très dur, contre la famille, la police, l'armée et un discours qui nie leur identité pour les LGBT palestiniens, contre une société parfois hystériquement homophobe et une extrême droite de plus en plus violente en Israël pour les LGBT israéliens. C'est d'ailleurs en Palestine et en Israël que les mirages du pinkwashing sont souvent le plus violemment critiqués, et cela a quelque chose de réconfortant, surtout vu de France, où il est si difficile de critiquer Israël. Toutes les arnaques ont cependant une fin.

Propos recueillis par Martin Barzilai

1 2017.

Les perdants magnifiques du cinéma américain

Régis Dubois — 2018-10-17T04:16:00Z

« And the winner is… » Comme le rappelle tous les ans la cérémonie des Oscars, Hollywood est affaire de gagnants, de cartons au box-office et de success-stories – à l'écran comme dans la vie. Pourtant, les vainqueurs n'ont pas toujours eu la cote à Hollywood, qui a connu des perdants au grand cœur, des marginaux hors-la-loi et autres rebelles sans cause. Petit tour d'horizon de ces losers magnifiques qui ont fait l'histoire du 7^e art US.

Par Baptiste Alchourroun

Au commencement était Charlot

Il est une figure incontournable du loser au cinéma, c'est bien Charlot, le vagabond rebelle à toute forme d'autorité et à tout travail. Pauvre, maladroit et malchanceux, il le restera toute sa vie – de 1914 à 1940 – par choix semble-t-il autant que par dépit. Il faut dire qu'avant les années 1920, l'image du winner ne fait pas encore recette à Hollywood et nombreux sont les mélodrames qui célèbrent des protagonistes pauvres qui acceptent leur condition parce qu'elle est synonyme de vertu.

Les héros du cinéma classique

Cependant, avec la disparition du muet, l'embourgeoisement du cinéma et l'instauration d'un langage classique, « la valorisation des pauvres et le discrédit jeté sur les riches vont disparaître au profit d'un alignement sur les valeurs de la middle-class. La prospérité, le développement des industries de la consommation, vont permettre de légitimer le rêve de bonheur par la réussite et lui donner des formes concrètes 1 ». Dès lors, le modèle narratif classique reposera exclusivement sur un héros positif récompensé au terme de moult péripéties par le fameux et indéfectible happy-end, véritable crédo du « rêve américain » qui récompense les individus entreprenants via le modèle de la success-story.

La formule, appliquée indifféremment aux westerns, aux comédies musicales ou aux films de guerre, tournera en boucle durant plusieurs décennies entre 1930 et 1950 et ne commencera à montrer des signes de fatigue qu'à l'aube des années 1960. Et ils furent rares les personnages qui dérogèrent à la règle : citons ces quelques antihéros désabusés des films de braquages ratés (Quand la ville dort de John Huston en 1950 ou L'Ultime Razzia de Stanley Kubrick en 1956) et ceux, bien entendu, des films noirs, comme le mémorable tueur innocent de Détour d'Edgar G. Ulmer (1945).

Contre-culture & antihéros

Au carrefour de 1968, plusieurs films annoncent un changement radical, à la fois des mentalités et du modèle hollywoodien. Le Lauréat de M. Nichols (1967), Bonnie & Clyde d'A. Penn (1967) et Easy Rider de D. Hopper (1969) inaugurent une nouvelle ère. Dès lors, les « héros » de ce qu'on appellera dorénavant le Nouvel Hollywood, ne joueront plus les VRP du rêve « amérikkkain » mais puiseront leurs modèles dans la contre-culture de ces années de crise et de révolution des mœurs.

Combien de hippies, de junkies et de hobos à refuser le jeu de la performance et de la réussite, à l'image du « lauréat » (Dustin Hoffman) dont l'avenir petit-bourgeois était pourtant tout tracé mais qui préférera tout envoyer valdinguer. Mais, s'il est un acteur qui incarne peut-être le mieux la figure du loser à cette époque, c'est bien Al Pacino qui enchaîne durant la décennie 70 les rôles de marginaux en perdition, à l'image du junkie de Panique à Needle Park (1971), du homeless de L'Épouvantail (1973) ou du braqueur amateur d'Un après-midi de chien (1974). Mais cette « philosophie de l'échec » fera long feu à Hollywood et prendra précisément fin avec Rocky (1976) qui met en scène un loser vainqueur et fait ainsi entrer d'un seul coup le cinéma américain dans l'ère reaganienne.

Les losers magnifiques des années 1980-90

On le sait, les années 1980 sont des années bling-bling, celle des golden boys et de la performance physique. En témoignent tous ces films sportifs, des Rocky à Flashdance en passant par Karaté Kid ou Bloodsport, interprétés par toute une génération d'acteurs bodybuildés (les Stallone, Schwarzenegger, Van Damme…) censés illustrer à la lettre le retour de cette Amérique triomphante, virile et WASP, tant vantée par Reagan. C'est l'époque des blockbusters dopés aux hormones et aux effets spéciaux, du merchandising et des mégastars millionnaires. La résistance, on s'en doute, viendra des marges et des films indépendants qui, de Sexe, mensonges et vidéo (1989) à Leaving Las Vegas (1995) n'auront de cesse de montrer une autre réalité, moins glorieuse et peuplée de personnages refusant l'idée même de réussite sociale voire de performance physique (dans les deux exemples cités, les héros sont sexuellement impuissants).

Là aussi, la décennie 1980 et la suivante ont produit leurs losers magnifiques : Mickey Rourke et Nicolas Cage. Le premier est exemplaire dans sa démarche autodestructrice : alors qu'il est le chouchou du tout Hollywood après le carton de 9 semaines et demie, il saborde sa carrière en enchaînant les rôles de losers magnifiques (Barfly, Homeboy et, bien plus tard, The Wrestler), puis en se lançant carrément dans une carrière de boxeur professionnel à 39 ans qui le laissera défiguré à vie, malgré – ou à cause de – ses nombreuses opérations de chirurgie esthétique. L'autre, c'est Nicolas Cage, avant qu'il ne se spécialise dans les films d'action sans intérêt, et qui enchaîna, au début des années 1990, les emplois de losers flamboyants, de Sailor & Lula à Leaving Las Vegas – film dans lequel, à l'image du Chinaski-Bukowski de Barfly, son personnage n'a d'autre ambition dans la vie que de boire jusqu'à en crever.

And the winner is…

Si nous devions énumérer tous les losers du cinéma américain, la liste, on l'aura compris, serait longue, entre les maladroits congénitaux (Jim Carey, Ben Stiller, Steve Carell…) et les anonymes sans gloire du cinéma indépendant (au hasard, le Billy Brown de Buffalo 66). Mais s'il fallait en définitive n'en retenir qu'un seul, le maître ès lose, le roi des nihilistes, le perdant le plus cool qui soit, je crois qu'on serait tous d'accord pour sacrer le Dude de The Big Lebowski.

Pour aller plus loin sur ce même thème du « refus de parvenir » :

1 Anne-Marie Bidaud, Hollywood et le rêve américain, cinéma et idéologie aux États-Unis, Masson, 1994, p. 147.

Trapier et Ristorcelli : « Retrouver ce néant au cœur de l'image »

Sébastien Navarro — 2015-03-04T03:00:00Z

Stéphane Trapier et Jacques Ristorcelli viennent de sortir aux éditions Matière, deux ovnis littéraires, respectivement Tarzan contre la vie chère et Les écrans. Des œuvres bien différentes mais qui jouent sur un décalage entre image et histoire. Entretien croisé.

CQFD : Succession d'anachronismes déquillant les balises de nos temps modernes dans Tarzan contre la vie chère, frise anarchique et catastrophique sur le tsunami nippon de 2011 dans Les Écrans, vos œuvres procèdent par un découplage entre dessin et narration. En combinant plusieurs niveaux de lecture, vous obligez le lecteur, tour à tour amusé et déconcerté, à une certaine vigilance. Quelques mots sur votre démarche ?

Jacques Ristorcelli : Je ne suis pas un auteur de bédé dans le sens classique du terme. Outre le collage, j'utilise l'image et le texte à la manière des peintres pop : c'est une matière première que je vais travailler et articuler. Pour Les Écrans, je m'étais fixé pour point de départ un jeu d'improvisation basé sur deux pages contenant quatre cases sans trop savoir ce qui allait suivre. L'idée était de revenir à l'origine de la bédé, une sorte d'hommage aux petites bédés Pulp populaires. Le lecteur a le choix. Il peut « lire » les dessins d'une traite comme un flux, une sorte de série de catastrophes. Il faut accepter d'y être plongé et se laisser porter par le déroulement. Le sujet du tsunami japonais de 2011 est venu se greffer par la suite. J'avais l'idée de prendre trois sources de textes différentes : des mails, des témoignages donnés par les médias et des extraits de webchat japonais qui ont cette faculté de finir par créer une sorte de poésie à la Burroughs. Tout ça devait s'articuler dans un montage alterné faisant du chaos une sorte de nouvelle réalité du monde. Il s'agissait de restituer cette masse d'informations qui nous arrivent par les écrans selon un nouvel agencement. Les infos tombent et circulent et puis après elles restent sous forme de déchet. Qu'est-ce qu'on fait de ces restes ?

Stéphane Trapier : L'idée de Tarzan contre la vie chère est d'abord née du constat de mon échec à faire du dessin de presse. Je cherchais une autre façon de commenter le monde d'aujourd'hui. Pour ce livre, soit je trouvais des images et c'est ensuite que venaient des idées de dialogue, soit le dialogue surgissait en moi et je l'associais ensuite à une illustration. Le fait de travailler à partir de vieux films s'est imposé naturellement car, quand on compare avec la photo des films récents, il n'y a pas photo justement…

Comme pour Jacques, la notion de surprise est fondamentale et je suis content quand l'image provoque chez moi une idée inattendue. C'est la raison pour laquelle je travaille avec des documents. J'échappe ainsi à une idée de départ convenue : cherchant comment illustrer l'idée que j'ai en tête, je tombe sur une image qui m'amène à autre chose. Ainsi de suite.

Par Stéphane Trapier.

Face à une saturation d'images qui standardise les imaginaires, votre travail apparaît assez subversif. En vous lisant, on devine une mise en garde du lecteur : il y a quelque chose à voir derrière ce qu'on nous présente comme des images d'évidence.

Stéphane Trapier : En marge de leur prolifération, l'invasion du numérique a donné le coup de grâce aux images en voulant « démocratiser » leur fabrication. En banalisant l'ordinateur et en imposant des moyens techniques (capteurs photos et vidéos, logiciels de montage et de retouche), on a donné l'impression que tout le monde possédait l'image puisqu'il possédait les outils pour la capturer. Dans mon métier de graphiste, des clients se sont mis à penser que leur expertise valait ou dépassait la mienne. La multiplication des supports et outils de communication a entraîné une désacralisation de l'image. Tout le monde aujourd'hui pense qu'il est photographe, puisqu'il sait téléphoner. Quand tout le monde partage la même expertise de l'image, celle-ci est complètement banalisée. Or il est extrêmement dangereux de désacraliser les images, parce qu'en leur faisant perdre leur beauté étrange, on leur fait perdre leur sens. Une image est toujours fascinante, sinon on ne pourrait pas passer huit heures par jour devant la télé. Il faut savoir maîtriser cette fascination. Aujourd'hui, on ne fait que s'y vautrer. C'est ici que le dessinateur intervient, au sens où il n'a pas encore été dépouillé de son savoir-faire par le numérique. Pour l'instant, le téléphone n'arrive pas à dessiner à notre place. Et c'est aussi, je pense, l'ironie de nos techniques de détournement et réappropriation de l'image : même en utilisant la table lumineuse, tu ne peux décalquer qu'en ayant une certaine technique. Donne une feuille de calque ou un épiscope à quelqu'un qui ne sait pas dessiner, il n'y arrivera pas. Pour le coup, dans le domaine du dessin, on a la paix pour quelques années encore.

Jacques Ristorcelli : Le numérique non seulement change le monde mais brouille aussi notre vision du monde et notre rapport à l'image. Les images numériques ont-elles encore besoin de nous, à partir du moment où elles n'existent que pour être échangées sur Internet ? 45 % des échanges du réseau ne sont pas d'ordre humain. Nous sommes du côté de l'imagination, dans le camp d'en face, celui qui s'inquiète devant chaque image comme diraient Georges Didi-Huberman1 ou Georges Bataille qui reconnaissaient aux images le pouvoir non pas de nous consoler mais, au contraire, de nous inquiéter, de nous « ouvrir » et faire « saigner intérieurement ». Pour qu'il y ait possibilité d'imagination, de regard, il faut recréer un espace de vide, une absence, retrouver ce néant qui est au cœur de l'image.

En juin 2014, Alain Finkielkraut électrisait le monde de la bédé en renvoyant le genre à sa position d'art mineur. Rien de neuf sous le soleil, si ce n'est cette question existentielle : le christianisme aurait-il fait un flop si la Bible avait juste été un vulgaire « illustré » et non pas un livre « noble » ?

Jacques Ristorcelli : C'est la question : la bédé est-elle un art mineur ou majeur ? Dès le départ du genre, on a quand même eu des personnes qui ont mis la barre très haut, avec par exemple Little Nemo in Slumberland (1905) de Winsor McCay, ou Krazy Kat (1933) de George Herriman. C'était des grands artistes au service d'un médium bien particulier, les bédés journaux, avec leurs contingences techniques et économiques. Il faut se méfier des gens qui veulent faire entrer la bédé au musée. Il n'y a pas à cataloguer les genres, plutôt à les aimer tels quels. Ça renvoie à cette appellation française de « roman graphique ». Là, je vois le mot « roman » en premier et ça me gêne. Si tu feuillettes une bédé d'Alex Barbier, tu ne vas pas parler d'« aquarelle bédé ». En l'occurrence, on est face à une opération de marketing des éditeurs dont l'idée est de hisser le genre vers quelque chose de plus chic. Or l'intérêt de la bédé réside dans cette forme malléable qui lui permet d'échapper à toute classification.

Stéphane Trapier : Pour que la Bible devienne un « noble » livre, il faudra attendre Gutenberg ! Mais passons. La bédé et toutes les formes de narration illustrée sont un art modeste, terme que je préfère à art mineur. Ce qui a fait réagir mes collègues avec leur grande chaîne de selfies intitulée « une bédé pour Finkie », c'est plutôt le ton sentencieux avec lequel le philosophe disait qu'il n'avait pas besoin qu'on lui illustre une histoire pour qu'il la comprenne. Le propos de Finkie n'était pas de dire que la bédé faisait partie des arts mineurs, mais que l'illustration d'un récit la plaçait de facto dans le camp de la défaite de la pensée et de l'esprit, ce qui est totalement idiot. Ce que je trouve davantage suspect, ce sont les quelques collègues qui ne supportent pas l'idée de voguer du côté des arts mineurs, et qui en conçoivent dépit et frustration. Ceux-là peut-être se vivent-ils comme des écrivains ratés ? Je suis assez d'accord avec ce que Jacques dit du « roman graphique ». Depuis les années 60 et 70, la bédé s'est arrachée à son destin de littérature jeunesse et a pris de nombreuses directions. Si le terme de « roman graphique » est un raccourci commode inventé par des équipes marketing, il permet aussi de déculpabiliser le lecteur qui aura moins honte en passant à la caisse, en même temps qu'il flatte la vanité d'auteurs, qui se sentent légitimés à produire une bouillie narcissique. Mais après tout, pourquoi la médiocrité serait-elle réservée à la littérature ? Nous aussi, auteurs de bédé et de récits graphiques, avons bien le droit de nous rouler dans le mauvais goût narcissique !

Par Jacques Ristorcelli.

1 Didi-Huberman, historien de l'art et philosophe.